Giovanni Boldini , ” Ritratto di Giuseppe Verdi “, 1886Olio su tela, 118×96 cm. Milano, Casa di riposo per musicisti.
Otello di Giuseppe Verdi, che torna a Trieste venerdì prossimo 4 novembre, merita un’attenzione particolare. Opera controversa almeno quanto controversi erano stati i rapporti tra Verdi e Boito, autore dello splendido libretto, per molti anni. L’ultima opera scritta da Verdi era stata Aida, nel 1871: Otello arriva nel 1887, dopo sedici anni di relativo silenzio compositivo (la Messa da Requiem è del 1874), di vicende personali singolari, di ripensamenti. Ed arriva come una deflagrazione, perché è un Verdi diverso, tutt’altro che arrendevole o seduto sugli allori, come sarebbe stato per certi versi anche lecito. È musica nuova, giovane, moderna, in cui i numeri chiusi – nella classica configurazione recitativo/aria/cabaletta – scompaiono e si trasformano in qualcosa di diverso. Forse c’entra il successo planetario del teatro wagneriano, ma non ne abbiamo certezza. Quello che sappiamo è che il compositore, ormai libero da vincoli di qualsiasi tipo, scelse di persona i cantanti ma – e lo sottolineò – non scrisse le parti su misura delle capacità vocali degli interpreti, come invece fece altre volte. Il vero protagonista di Otello è il declamato, un declamato teso (si pensi più a Otello che a Jago, in questo senso) che è la vera novità della creazione verdiana. Ci sono due meravigliosi concertati, c’è un uso grandioso del coro, c’è un’orchestra possente che suona anche fortissimo di là dell’accezione musicale del termine. Ancora, compare forse il più bel duetto di Verdi che, se ben cantato e suonato, è un’oasi paradisiaca di bellezza. Desdemona, secondo Verdi, è pensata “non come una donna ma come un tipo: della bontà, della rassegnazione, del sacrifizio. Sono esseri nati per gli altri, inconsci del proprio Io.” E infatti Desdemona canta appoggiandosi agli altri personaggi quasi sino alla fine, quando la sua sorte è ormai segnata Verdi le concede le oasi melodiche che la rendono più riconoscibile e le danno un’identità autonoma. Nei prossimi giorni parlerò di Jago e di Otello, abbiate pazienza.
Nell’imminenza della Barcolana, che notoriamente smuove masse di folla inconsuete per Trieste – ieri spostarsi in città era una cosa molto vicina a un girone infernale – si è svolto il quarto appuntamento della stagione sinfonica triestina. Il protagonista è stato Mario Brunello, violoncellista e artista a tutto tondo, oltre che uomo di cultura impegnato felicemente da molti anni nel sociale. In una bella intervista al quotidiano locale Brunello ha paragonato il suono del violoncello piccolo – il suo strumento per il concerto a Trieste – a quello della voce di controtenore. Entrambi, violoncello piccolo e controtenore, sono stati coinvolti nei cambiamenti di gusto del pubblico, il primo a favore dello strumento quale lo conosciamo oggi, il secondo travolto dalla comparsa della voce femminile di soprano. Ricordo che le donne non hanno potuto per secoli esibirsi in pubblico, tanto che la Chiesa le considerava nella migliore delle ipotesi meretrices honestae. Il programma prevedeva nella prima parte due pagine musicali: il Concerto in re magg. BWV 1054 (dalConcerto per violino BWV 1042 di J. S. Bach) e il Concerto in la magg. per violoncello piccolo e orchestra H 439 (W 172) di Carl Philipp Emanuel Bach, quinto dei venti figli di Johann Sebastian. In questi due brani, quasi come un bonario convitato di pietra, emerge prepotente la figura di Antonio Vivaldi, il prete rosso, che della musica barocca è stato esponente sublime. Padre, figlio e padre spirituale, uniti dalla koinè del Barocco. E anche i due brani proposti confermano la stretta parentela di sangue artistico e storico: la struttura in tre movimenti, con il secondo a fare da cerniera emotiva (Largo mesto, Adagio, ovviamente entrambi in minore) tra i due Allegri lo conferma. L’Orchestra del Verdi, ovviamente in formazione cameristica d’archi e supportata dalla bravissima Adele D’Aronzo al clavicembalo, ha assecondato con precisione e gusto l’estro interpretativo di Brunello, che per l’occasione era anche direttore. Per quanto riguarda appunto Mario Brunello, non voglio neanche soffermarmi troppo per non risultare pleonastico: è in simbiosi col suo violoncello piccolo (il violinone, come l’ha definito) dal quale estrae passione, vitalità, inventiva. Il virtuosismo, ovviamente stellare, è solo la parte più esteriore della sua arte. Sono il controllo delle dinamiche, la capacità di trarre note dolenti e al contempo luminose, il lirismo controllato scevro della ricerca di facili effetti che delineano la statura dell’interprete. Pubblico in visibilio, ulteriormente eccitato dai bis, entrambi trascrizioni per violoncello: un’anticipazione del programma della seconda parte dedicato a Nino Rota (Improvviso, Un dialogo sentimentale) e un grande classico bachiano (Andante Seconda sonata per violino).
Sono davvero grato al Teatro Verdi e a Mario Brunello – che nella prefata intervista esprime la necessità che la musica dialoghi con la quotidianità – per le scelte della seconda parte del programma, dedicato alla musica di quell’artista straordinario che è stato Nino Rota. Troppo spesso liquidate come “musica da film” – una locuzione ignorante che puzza di diminutio eche scorda come la musica fosse strutturale ai tempi del muto- le composizioni di Rota sono invece pagine musicali che reggono benissimo la serata anche se private di immagini cinematografiche, perché sono frutto dell’Arte di un artista di primo livello che si è cimentato con successo in generi musicali diversi, dall’opera lirica alla musica sacra. Simpaticamente sceneggiata dalla compagine triestina, con i professori d’orchestra che hanno citato Fellini all’inizio e in chiusura hanno abbandonato un po’ alla volta il palcoscenico a concerto in corso, la musica di Rota è stata eseguita mirabilmente. L’ascolto attento ha rivelato come il compositore fosse capace non solo di venire incontro alle esigenze dei registi ma anche di catturarne l’anima in una specie di portfolio emotivo. Il gusto per il grottesco di Fellini, il sentimentalismo un po’ mieloso di Zeffirelli, la briosa decadenza di Visconti. Eccellente la prestazione dell’Orchestra del Verdi, che se nella prima parte del concerto aveva palesato la morbidezza degli archi, nel proseguo ha convinto pienamente in tutte le sezioni con ottoni e percussioni in grande evidenza. Ci tengo a citare, in particolare, lo splendido rendimento di Paola Fundarò, primo oboe della fondazione triestina. Chiudo con una nota di amarezza: all’uscita dal teatro sono ripiombato nel girone infernale dantesco che ho citato all’inizio. La Dea Barcolana richiede sacrifici e, maledizione, il buongusto è stato giustiziato ferocemente coram populo in Piazza Verdi.
Johann Sebastian Bach
Concerto in re magg. BWV 1054 (dalConcerto per violino BWV 1042 di J. S. Bach)
Carl Philipp Emanuel Bach
Concerto in la magg. per violoncello piccolo e orchestra H 439 (W 172)
Nino Rota
Suite dai film Prova d’orchestra e Romeo e Giulietta, Ballabili dal film Il Gattopardo
Un paio di giorni prima del secondo concerto della stagione sinfonica triestina è stato annunciato un cambio di programma: il Preludio del Lohengrin avrebbe sostituito il previsto Salmo 83 di Alexander von Zemlinsky a causa di una non precisata – ma facilmente intuibile – indisposizione di alcuni artisti del coro. Perciò, davanti a un teatro discretamente affollato, sono state le note di Wagner a principiare la serata. Il Vorspiel del Lohengrin è uno di quei brani musicali che, per quanto brevi, incantano sempre il pubblico. Nikolas Nägele, di nuovo alla testa dell’Orchestra del Verdi dopo il buon Die Fledermaus estivo, ha dato della paradisiaca pagina wagneriana una lettura corretta ma un po’ timida nelle dinamiche, in cui non si è percepito quell’ammaliante trascolorare ininterrotto di slanci emotivi che, nelle intenzioni del compositore, dovrebbe rappresentare la discesa del Sacro Graal. Buona, in ogni caso, la risposta dell’orchestra nelle sezioni più esposte degli archi e degli ottoni.
A seguire è stata eseguita la Sinfonia n.4 in mi bemolle maggiore (Romantische) di Anton Bruckner, dopo la Wagneriana del primo concerto della stagione. Si sa che la genesi della sinfonia fu particolarmente tormentata e che Bruckner ci mise mano più volte nell’arco di tre lustri, sino a quando, nel 1888, il grande Hans Richter la portò al trionfo a Vienna. Il dibattito sulla pagina musicale è sempre stato vivace: si tratta di musica a tema? La risposta non è univoca, ma indubbiamente indizi in tal senso sono piuttosto evidenti, soprattutto nel primo e nel terzo movimento. Dal mio punto di vista il problema maggiore nell’eseguire la musica di Bruckner è trovare equilibrio tra l’esuberanza un po’ ingombrante degli ottoni e le altre sezioni dell’orchestra. In questo senso, per quanto si siano percepite disomogeneità, mi pare che Nägele abbia fatto un buon lavoro anche se più che un’interpretazione la sua mi è sembrata una semplice esecuzione. Molto belli i tremoli – e anche i pizzicati – degli archi, eccellenti i dialoghi tra corno e legni, tra le altre cose. Dinamiche, come sempre in Bruckner, piuttosto ruspanti ma ben controllate da agogiche spedite ma non frettolose che conducono a un finale che forse giustifica più di tante chiacchiere l’appellativo “Romantica” della sinfonia. Di là delle mie considerazioni la serata è stata un successo, testimoniato dalle numerose chiamate al proscenio per Nikolas Nägele.
Di tanti pulpiti. 
Hanno detto: