Recensione semiseria ed espressa di Giovanna d’Arco al Teatro alla Scala di Milano: allestimento ridicolo e i registi erano due.

Anche quest’anno, quando le trovo e ho tempo, metterò qui le recensioni che trovo online:
OperaClick
Alberto Mattioli

Roberto Mastrosimone

Daland
Operadisc
Andrea Merli
Enrico Stinchelli

Il corriere musicale

Il corriere della Grisi

Repetita iuvant, per cominciare:

Come ogni anno e come nelle confezioni di medicinali (Amfortas ci sta, come nome di un presidio medico chirurgico: un lassativo?), prima di fare un uso improprio di questo post bisogna leggere le avvertenze, la prima delle quali è che so già che farò un uso sconsiderato di parentesi e incisi (forse anche qualche divagazione, che ne so) che renderanno la lettura più faticosa del solito. Come se non bastasse, alcune scene mi hanno ricordato in modo irresistibile questo film di James Bond (strasmile).
Questa recensione è frutto della visione televisiva della prima scaligera, perciò attenzione: solo dal vivo uno spettacolo può essere valutato in modo completo, per ragioni tanto evidenti che non sto neanche a elencare. Detto questo, andiamo avanti.

Funestata – si fa per dire – dall’assenza di Carlos Álvarez, il baritono che avrebbe dovuto interpretare Giacomo, si è conclusa da pochi minuti la prima della stagione lirica a Milano, che quest’anno prevedeva l’esecuzione di Giovanna d’Arco di Giuseppe Verdi.
Lavoro minore, certo, su cui mi sono soffermato nei post precedenti. Come tutte le opere deboli dal punto di vista drammaturgico e poco ispirate, Giovanna d’Arco ha bisogno di una regia che si inventi qualcosa per catturare l’interesse degli spettatori, soprattutto di quelli che non conoscono la vicenda a memoria.
Nella fattispecie i registi erano addirittura due, Moshe Leiser e Patrice Caurier, i quali sono ricorsi a un espediente che ormai è diventato un grande classico delle rivisitazioni operistiche, un po’ come lo stratagemma del manoscritto ritrovato nella letteratura: sinteticamente, fanno passare per matto o malato di nervi il/la protagonista. L’escamotage consente quindi di scuotersi di dosso la necessità di fare quello che c’è scritto nel libretto, uno dei comandamenti dei melomani ortodossi, e di proporre qualche situazione meno banale. Il problema è, ovviamente, riuscire a fare qualcosa che sia sensato e non una pagliacciata.

Giovanna è una ragazza, sicuramente oppressa dalla figura di un padre troppo protettivo, che soffre di disturbi nervosi (forse isterici, non saprei) che le provocano deliri e visioni. In questo modo la realtà intorno a lei si deforma e si trasforma, e vede cose che noi umani ecc – anche grazie alle proiezioni (di Etienne Guiol) – restando in bilico tra fantasia e realtà.
Alla fine scopriremo proprio che non si trattava altro che di allucinazioni, frutto della malattia della ragazza. Ecco l’idea era questa e potenzialmente non era malvagia.
Coadiuvati dalle scene di Christian Fenouillat, dai costumi di Agostino Cavalca e dall’efficace impianto luci di Christophe Forey, la coppia alla regia è riuscita ad allestire uno spettacolo talmente brutto in alcuni momenti da non potersi neanche descrivere.

Orrore mi hanno destato, tra le altre cose, la madonnina di legno o quello che era, i demoni che attorniavano i protagonisti prima dell’intervallo. Il tutto peggiorato da una regia televisiva pessima, che invece di filtrare i momenti più brutti esteticamente li esaltava nella loro spaventosa bruttura.
Aggiungo inoltre, che ancora una volta, molti hanno confuso il ruolo del regista con quello dello scenografo. Qui, a parte l’idea iniziale neanche troppo originale, di lavoro registico sui cantanti/attori si è visto poco o nulla. Chi può mi smentisca.

Riccardo Chailly mi ha convinto, seppure io non ami particolarmente il fatto che spesso ci vada giù pesante con il suono orchestrale. Circostanza comunque giustificata in qualche modo dalla regia, che predilige i colori forti e che mal avrebbe sopportato una direzione monocromatica. Bella l’Ouverture, stringata ma non frettolosa e assai apprezzabili la cura e l’attenzione ai cantanti. Un po’ troppo clangorose le strette ma, ovviamente, l’effetto in teatro potrebbe essere diverso. Insomma, a me pare che dalla lettura di Chailly la partitura verdiana sia uscita arricchita anche grazie alla prova dell’Orchestra e del Coro della Scala, in serata particolarmente felice.

Per quanto riguarda i cantanti, Anna Netrebko ha confermato, nei panni della protagonista, di essere una fuoriclasse. Peccato che non riesca a migliorare un po’ la dizione e la pronuncia italiana e anche la tecnica di respirazione. Il colore della voce è bellissimo, caldo, suadente e sensuale. La voce, come ho avuto modo di apprezzare anche dal vivo, si espande negli acuti senza perdere corpo e volume. Il temperamento poi è sicuramente quello adatto per questa eroina verdiana e per l’occasione è sembrata anche particolarmente coinvolta dal lato attoriale.
Molto bravo anche Francesco Meli, che invece fa della dizione chiara e della tecnica di emissione i punti di forza. Il suo personaggio non ha motivi particolari di fascino e perciò è ancora più difficile da rendere efficacemente.
Credo che oggi il cantante sia uno dei pochissimi tenori, se non l’unico, in grado di rinverdire il mito del canto all’italiana, per solarità e timbro di voce.
Si è ben comportato anche Devid Cecconi che come sempre è un po’ grossier nell’emissione ma ha uno strumento vocale importante. Al baritono mancano, a mio parere, un po’ di disinvoltura in scena e di convinzione nei propri mezzi. Da tenere presente che è arrivato quasi all’ultimo momento, che non è cosa da poco.
Discreto anche il rendimento di Dmitry Beloselskiy. Completava il cast Michele Mauro.

Alle singole trionfo per Anna Netrebko, gran successo per Francesco Meli e ottima accoglienza per tutti gli altri. Inspiegabilmente graziati i registi.

Recensione scritta in fretta, se c’è qualche orrore ortografico fatemi sapere.

Un saluto a tutti alla prossima!